Madre a fuerza

 

La maternidad es una obsesión para algunas mujeres, sobre todo cuando se ven imposibilitadas de desarrollarla. No todas pueden tener hijos y el no poder hacerlo genera desesperación en algunos casos. En el documental de Netflix de Maite Alberdi, Un hijo propio (2026), se cuenta la historia de una mujer que tomó una decisión equivocada para poder materializar el sueño de la maternidad.

La historia real de Eleonor Alejandra Marín Mendoza, una mujer que en 2009 fue acusada de robar un recién nacido del Hospital General de la Ciudad de México, se cuenta en este audiovisual que no está estructurado convencionalmente.

Es un secreto a voces que algunas mujeres sienten la maternidad como una imposición social, como una necesidad del entorno, una obligación, cuando eso pasa, algunas llegan a extremos absurdos e incluso a quebrantar la ley.

El documental comienza recreando la historia desde el punto de vista de la protagonista. La directora no juzga a los personajes, pues parecen actuar desde la inocencia y el amor. Sin embargo, los resultados de sus actos revelarán que estos dos elementos también pueden ser dos buenas excusas para destruir la vida propia y la ajena.

La maternidad es un fin en sí mismo, sobre todo en América Latina, donde se idealiza el modelo de la familia tradicional. Esto no es necesariamente negativo, podría ser una fuente inagotable de felicidad, pero también un problema, si, por la razón que sea, no puedes construir un mundo con todos los elementos que la componen. Cada vida es diferente, y cada matrimonio también lo es, parece obvio, pero no para los personajes de esta historia.

Finalmente, el audiovisual muestra todos los puntos de vista de un embrollo en el que se ven involucradas dos familias y un bebé, que no tiene la culpa de haber llegado a este mundo.

@luisauguetoliendo

Manuel Escolano

 

A veces parece que en Venezuela desconocemos a nuestros actores, se pierde de vista una trayectoria de treinta o cuarenta años porque la vida cotidiana y la actualidad consume a los televidentes que actualmente solo viven pendientes del streaming.

La memoria del venezolano ocasionalmente es cruel porque desecha rápidamente a esas figuras que en su día fueron relevantes. Sin embargo, aunque en ocasiones no se recuerdan nombres, es imposible borrar la imagen de aquellos que forman parte de producciones que vemos reiteradamente incluso sin querer en redes sociales. El cielo de los actores son sus producciones donde viven eternamente.

Manuel Escolano tuvo una carrera larga. Cuando la industria en Venezuela era prolífica y se realizaban varias producciones por año, él fue protagonista y actor de reparto de historias exitosas.

Actuaba con naturalidad, era versátil, se adaptó a cada rol que interpretó, lo que le permitió ser un personaje constante en las producciones que alimentaban las pantallas a nivel nacional. Nacido en España el 26 de mayo de 1948, eligió Caracas como el escenario de su carrera que comenzó en los años 70. Protagonizó «Stella» y «El retrato de un canalla» con Alba Roversi. Destacó en producciones como «Rafaela», «Buenos días», «Isabel», «La heredera», «Las amazonas», «Alejandra», entre otras. Participó en infinidad de producciones desde los años 70 hasta finales del 2013. Su amor por la actuación fue una larga paciencia.

Recientemente podemos verlo en «Voltea pa’ que te enamores», producción de Venevisión que ha sido retransmitida un sinfín de veces. Su personaje, el Doctor Marco Aurelio, sigue siendo imprescindible para los fanáticos de la historia de Mónica Montañez. Manuel Escolano es uno de esos actores cuya historia nunca podrá disolverse, aunque el tiempo, que siempre va en ascenso, nos quiera hacer olvidar la vida que hemos presenciando y de la que somos parte.

@luisauguetoliendo

Creencias

 

Las obsesiones se generan debido a nuestras necesidades personales. Vemos lo que queremos ver o lo que necesitamos ver. En ‘Los creyentes’, el nuevo estreno español de Netflix protagonizado por José Coronado y Stéphanie Magnin esta idea se hace presente generando entretenimiento y reflexión.

La película, que tiene una narración convencional, cuando comienza parece ser lo que no es, y esto termina siendo positivo para nosotros los espectadores, ya que la magia comienza cuando cambia bruscamente.

El largometraje nos cuenta la historia sobre un padre y una hija, la muerte de un ser querido y el peso que puede generar el conflicto al tener que aceptarla. Cuando alguien deja este mundo, ¿quién sufre más? ¿El que ya no está o los que nos quedamos? Para nosotros, los que estamos vivos y conscientes, el dolor puede ser un castigo cotidiano que nos empuja a buscar respuestas a preguntas complicadísimas que generalmente no podemos ni entender.

En esta película española es importante no perder de vista esa idea. El dolor nos hace actuar de un modo errático y ocasionalmente nos empuja a vivir circunstancias desagradables generando caos para otros y para uno mismo. Esto último les sucede a los personajes que intentarán escapar de su conciencia viviendo la ilusión de una certeza que se destruye en segundos.

Además de exponer una historia personal, el largometraje habla de un fenómeno social que puede llegar a generar problemas graves. En esta época de noticias falsas y viralidad,  no son pocos quienes dicen tener la verdad y usan el internet para potenciar su mensaje. Hay que tener cuidado con quiénes escuchamos y les creemos; no todos tienen buenas intenciones.

‘Los creyentes’ mezcla suspenso y drama en una historia que no tiene desperdicio y que te llevará a pensar en esas ideas que muy seguramente también te persiguen.

‎@luisauguetoliendo

 

La Odisea

 

Christopher Nolan revive un clásico para brindarnos su perspectiva sobre una historia conocida. En un mundo donde los países más poderosos tienen delirios de colonización, la obra de Homero no parece lejos de la actualidad.

‎‎Las guerras nunca traen buenos resultados, siempre mueren los inocentes. Los deseos de “justicia” terminan generando las peores atrocidades. ¿Quiénes son los héroes y quiénes los villanos cuando la avaricia y el descontrol marcan los conflictos por un territorio?

‎‎La película protagonizada por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, y basada en el poema épico griego, luego de recrear los obstáculos que debe sortear Odiseo para volver a Ítaca, presenta cuestionamientos que hoy no pasan desapercibidos.

‎‎Los clásicos llegan a serlo precisamente porque no tienen fecha de caducidad. «La Odisea» es una de esas historias que, más allá del paso del tiempo, puede ser comprendida como lo que es, una reflexión sobre la ambición, la desmesura, la necesidad de la lealtad y la perseverancia para lograr los objetivos.

‎‎La Hibris, ausencia de mesura, es la peor falta en la vida en sociedad de los griegos. En el largometraje algunos personajes se dejan llevar por ella. El viaje de Odiseo le genera la posibilidad de descubrir en sí mismo cuánto hay de heroico o cruel en los acontecimientos que generó.

‎‎La película, que goza de una fotografía impecable y buenos efectos especiales, entretiene y nos somete a su discurso poético y reflexivo. Obviamente al ser la versión de una obra, el director se tomó la libertad de tratar a los personajes como creyó necesario, darle protagonismo a unos, eliminar otros y contar una historia que estuviese cerca de sus intenciones.

‎‎Finalmente, su buena realización puede jugar en contra de sus planteamientos. Ojalá los espectadores vean mucho más allá de su espectacularidad y descubran las ideas que expone.

‎‎@luisauguetoliendo

Buscar justicia

 

El cine histórico, además de su valor estético y de entretenimiento, contiene un elemento extra: nos permite acercarnos a momentos que probablemente desconocemos e incluso no entendemos en su totalidad.

Thurgood Marshall, el primer juez negro en la corte suprema de Estados Unidos, tuvo que aprender a imponerse. Su vida fue una larga paciencia y una muestra de autoconfianza que no se ve frecuentemente.

El desaparecido actor Chadwick Boseman protagoniza esta película sobre la justicia y el valor para perseguir la vocación contra viento y marea. La cinta es una excusa para acercarnos a un período histórico y también a la personalidad fascinante de un hombre con un gran poder de convencimiento que se negó a vivir según las necesidades ajenas.

Reginald Hudlin dirige este largometraje que podría ser una simple reivindicación, pero termina siendo una aventura fascinante por el temperamento de un hombre y su capacidad para adaptarse y prosperar a pesar de las circunstancias que lo rodeaban. En Marshall la representación de la época con sus prejuicios incluidos, nos permite entender rápidamente lo que se nos plantea e incluso tomar partido por los distintos personajes.

Marshall se centró en defender a todas esas personas que, a pesar de tener la razón y ser inocentes, no tenían posibilidades de ganar.
Desde el inicio de la cinta será evidente que la persistencia e inteligencia de Marshall generará cambios que trascendieron su propio tiempo. La película cuenta en los roles principales con Kate Hudson y Josh Gad.

La biografía nos muestra que lo más importante para vivir una existencia con sentido es tener confianza en uno mismo. Thurgood Marshall nació en 1908 y murió en 1993, por lo que tuvo la oportunidad de ser parte de cambios importantes para la comunidad negra en Estados Unidos donde desarrolló una carrera larga y productiva.

‎@luisauguetoliendo

Lamata digital

 

El director de cine venezolano Luis Alberto Lamata tuvo una carrera prolífica. Desde los años ochenta trabajó en cine y televisión creando obras ya clásicas de la cinematografía nacional. Su muerte, acaecida el pasado 24 de agosto del 2025, puso fin a su vida, pero no a su obra que podemos encontrar en su página web luisalbertolamata.com.

Esta web perfectamente organizada contiene, además de información esencial sobre su carrera y filmografía, una sala de proyección donde podemos ver títulos como: «Jericó» (1990), «Desnudo con naranjas» (1995), «Salserín, la primera vez» (1997) o películas urbanas como «El enemigo» (2008) o «Parque Central» (2018), entre tantas otras.

Sus largometrajes sobre la historia de Venezuela, la violencia social, la ciudad y la memoria popular están muy bien organizados en esta plataforma digital que busca mantener e impulsar su legado.

Como director, tanto en cine como en televisión, Luis Alberto Lamata, podría definirse como un artista detallista, pulcro y amante de la belleza, que buscaba la excelencia y el desarrollo de sus ideas para establecer un discurso que pudiera definir su perspectiva de la realidad.

Su película «Desnudo con naranjas» posee una calidad uniforme en todos los elementos que la conforman. Inspirada en el relato “El genio de la botella” de Robert Louis Stevenson, y ambientada en los años de la Guerra Federal venezolana de mediados del siglo XIX, el largometraje nos cuenta una historia de amor de dos soledades que se encuentran.

El trabajo de Lamata en televisión comenzó con producciones como «El análisis» o «Sol de antaño», entre otras desarrolladas en el llamado Ciclo de Oro de Rómulo Gallegos. Luego dirigió telenovelas y series como «Señora», «Las dos Dianas», «Mansión de Luxe», etc.

Para disfrutar la obra de Luis Alberto Lamata puedes visitar su muy actualizada web.

@luisauguetoliendo

Hablar eternamente

 

¿Cómo hablar con alguien que no está? ¿Cómo aceptar que esa persona con la que compartiste tu vida ya no se encuentra a tu alcance?  Zoey Deutsch protagoniza esta comedia romántica, que más parece una historia sobre el duelo y la tristeza profunda que produce la ausencia de los seres queridos, que un romance al estilo Hollywood.

«‎‎Mensajes de voz para Isabelle» (Netflix, 2026) se desarrolla bajo una premisa real: la muerte no es un límite para el amor. Por el contrario, genera apego por las personas queridas.

‎‎Cuando tenemos un vínculo real, vivir sin él es una forma de tortura, es complicado seguir respirando sin quienes han sido fundamentales en nuestra existencia. Cuando se ama se necesita de ese amor en la vida cotidiana. Por eso es comprensible que la protagonista de este largometraje, Jill (Zoey Deutsch) siga enviando mensajes de voz al teléfono de su hermana, Isabelle, cuando ella ya no puede responderle.

‎‎La película revela como un vínculo profundo, en este caso entre dos hermanas, es más fuerte que la separación que genera la muerte. Nadie quiere perder y mucho menos soltar a los que ama.

‎‎El largometraje navega entre la nostalgia y las anécdotas que intentan ser divertidas de la protagonista, una aspirante a pastelera que hará lo imposible por seguir con su vida, en medio de la tristeza y la soledad.

‎‎Obviamente que antes de llegar a la mitad, conocerá al héroe de esta historia que terminará siendo más bien un antihéroe. Sin embargo, como en toda comedia romántica el destino los ayudará a coincidir y encontrar razones para acercarse.

‎‎Dirigida por Leah McKendrick, la película puede que sea obvia, pero gana puntos por el encanto de la Julia Roberts de nuestro tiempo, Zoey Deutsch, una actriz que sabe generar interés en las historias que protagoniza.

‎‎@luisauguetoliendo

Marilyn 100

 

El pasado 1 de junio Marilyn Monroe habría cumplido 100 años. La actriz tuvo una vida que puede parecer envidiable y, sin embargo, estuvo llena de tanta fama y dinero como de estrés y soledad.

Los estragos de una infancia dura pesarían siempre en su vida emocional que fue caótica. Pasó su infancia en hogares de acogida y orfanatos, ya que su madre, Gladys Pearl, una mujer soltera, no tenía los recursos necesarios para mantenerla.

A los 16 no le fue difícil decidir si contraer matrimonio con su vecino James Dougherty, de 21 años, o seguir con su vida de huérfana. Se casó y consiguió empleo en una fábrica de radiotransmisores del ejército.

Fue entonces cuando un fotógrafo de la armada le tomó unas fotografías que cambiarían su destino. En 1947 pasó a llamarse Marilyn Monroe y comenzó su carrera cinematográfica.

Tuvo una imagen sensual que alimentaba, y sin embargo, muchas veces también quiso abandonar. Quería ser tomada en serio como actriz.

No obstante, ella misma fue el principal obstáculo para que eso ocurriera. Desde que en 1953 fue portada de Playboy su historia ya se había escrito.

Su voluptuosidad y belleza la hicieron más famosa que sus dotes interpretativos. Su imagen de rubia tonta y sensual se consolidó con su rol en Los caballeros las prefieren rubias (1953).

Marilyn intentó modificar su suerte, en 1955 se mudó a Nueva York, donde estudió bajo la tutela de Lee Strasberg, director en ese momento del ya famoso Actor’s Studio.

Un año antes de morir, estuvo recluida en un hospital psiquiátrico, quería sanarse. Sin embargo, una cadena de sucesos desafortunados la llevaron a la tragedia que terminó con su vida en agosto de 1962.

Más allá de los misterios sobre su muerte (si fue suicidio o asesinato) es fácil deducir que su desequilibrio forjó su oscuro destino.

@luisauguetoliendo

Racismo terrorífico

 

Si encajar es tu objetivo puedes pagar un precio muy alto. En «Nueva identidad» («Slanted»), disponible en plataformas de streaming, una joven china americana tratará de encontrar su lugar en su nuevo entorno cambiando radicalmente.

La película es una sátira sobre el racismo y los privilegios que puedes recibir en algunos entornos simplemente por tener una imagen determinada. Ser chino, negro o latino, aún en nuestros tiempos, puede resultar un obstáculo en un mundo donde algunos esperan que se cumplan parámetros establecidos décadas atras.

El llamado “privilegio blanco” es analizado con sinceridad y crudeza en esta película de terror que tiene mucho de drama y algo de ciencia ficción.

Recordando a la recientemente premiada «La sustancia» (2024), este largometraje reflexiona directamente sobre los cánones de belleza y la importancia que tienen, sobre todo para los adolescentes que están buscando empatía y sentido de pertenencia.

Amy Wang, directora de origen chino, muestra cómo el racismo no ha quedado en el pasado sobre todo en los países del llamado “primer mundo”. Por el contrario, genera conflictos con los que tenemos que lidiar ocasionalmente.

La protagonista no soportará la presión que genera el rechazo. Esto desencadenará los acontecimientos que la llevan a cambiar.

A pesar de su estructura simple, la historia se esmera para mostrar el dolor de los personajes. Es fácil identificarse con esa necesidad de ser queridos y respetados en la adolescencia, donde creemos que caerle mal al resto puede significar el fin del mundo.

Además el largometraje explora cómo el racismo puede ser, además de un ataque externo, una agresión interna. La protagonista, termina cayendo en la trampa que ayudó a construir, y tendrá que intentar descubrir que no hay nada mejor que ser uno mismo, sin importar lo que eso signifique. Finalmente, el suspenso develará un desenlace sorprendente.

@luisauguetoliendo

Gente caprichosa

 

Si algunas fantasías se convirtieran en realidad, no necesariamente generarían algo positivo. Cuidado con lo que deseas porque puede tener repercusiones adversas.
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‘‎Obsesión’ (2026), de Curry Barker, en cartelera, tiene estas ideas como premisa fundamental. Aunque no se queda solo en eso, en este largometraje que combina el suspenso, el terror y el gore, los personajes no solo deben hacerse cargo de sus deseos, también de las intenciones que esconden.
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‎La película juega muy bien sus cartas sobre todo apoyándose en las actuaciones de los protagonistas. La joven actriz Inde Navarrete y Michael Johnston se apoderan de sus roles para llevar mucho más lejos los planteamientos en apariencia simples del largometraje. 
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‎Un amor no correspondido y un deseo cumplido que se convierte en una pesadilla pudieron haber sido una propuesta obvia, pero el director apuesta por reflexionar sobre otros aspectos ligados a los vínculos románticos.
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‎Las relaciones de pareja pueden ser la consecuencia de un capricho, a veces nos obsesionamos con una persona de la que sabemos poco o nada, solamente porque creemos que puede otorgarnos placer y alegría. Eso de ponerle a la felicidad el nombre de alguien no siempre termina bien y tampoco obedece a un motivo encomiable. En muchas ocasiones hay terquedad y malcriadez.
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‎Esto se dice indirectamente en la película, que toma el camino de la sátira para explicar lo infantiles que pueden llegar a ser algunos vínculos.
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‎¿Por qué desear el amor absoluto? ¿Para qué alguien querría ser amado más que a nada? ¿No es este un deseo egoísta y por tanto perverso? El terror será uno de los caminos que utiliza el director para explicar estos planteamientos sobre las relaciones y las necesidades enfermizas que a veces generan, porque  quienes  “se enamoran”  irracionalmente también pueden generar destrucción y caos.

La película cumple lo que promete: adrenalina y desconexión.

@luisauguetoliendo