Doris, 38

 

Hace 38 años, un 20 de septiembre de 1988, dejó este mundo Doris Wells. Su recuerdo vuelve en cada escena de las películas y producciones que protagonizó. Ella es un icono cultural en Venezuela, la actriz de los actores, la referencia obligada de todos los que hicieron televisión junto y después de ella.

Al momento de su muerte tenía sólo 43 años, pero ya había logrado lo que muchos no en una vida entera: encontrar su pasión, desarrollarla y vivir de ella.

La actriz, que rompió paradigmas por su forma de interpretar y sus diversos talentos para la escritura y la locución, fue una artista completa, apasionada de la expresión artística. De hecho, después de la fama, volvió a la Universidad Central de Venezuela a completar su licenciatura en Artes.

Fue una mujer curiosa, ansiosa por descifrar el mundo y exponer sus inquietudes a través de los roles que interpretó. En la década de los 70 desarrolló varios proyectos que marcarían un antes y un después no solamente en su carrera, en la televisión nacional. Protagonizó «La señora de Cárdenas, la primera de las llamadas telenovelas culturales escritas por José Ignacio Cabrujas. A ésta le siguieron otros éxitos como: «La fiera» o «¿Qué pasó con Jacqueline?». Grabó páginas significativas de la televisión nacional.

Actuó en el cine protagonizando «Oriana» de Fina Torres, «Isla de sal» de Clemente de la Cerda, «La casa de Agua» de Jacobo Penzo, «Más allá del silencio» de César Bolívar, «Aguasangre» de Julio Bustamante.

Su hija, Verónica, afirmó en una entrevista que para la actriz “su vida personal estaba bien separada de su vida profesional. A la fama no le daba importancia” y sí, Doris Wells parecía una mujer discreta que se centraba en hacer bien su trabajo. Por eso la recordamos, solo los verdaderos artistas vencen el paso del tiempo.

@luisauguetoliendo

Acciones e ideas

 

A veces deseamos una vida que no tenemos. Despreciamos el momento presente, obviando que quizás al perderlo quedarían destruidas nuestras ilusiones.

La película de aventuras «El final de la calle Oak», actualmente en cartelera, juega un poco con esa idea. Nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde. El largometraje es divertido, pero también si lo sabes ver, una reflexión sobre lo importante que puede llegar a ser lo evidente, lo que damos por sentado. Todos querríamos viajar al pasado para volver a ver a alguien o hacer las cosas diferentes. Lamentablemente en la vida real no se puede. Si dejas de valorar lo esencial corres el riesgo de perderlo para siempre.

En la película, protagonizada por Anne Hathaway y Ewan McGregor, pasar casi dos horas presenciando circunstancias irreales vale la pena, encontramos un desarrollo y un final que, ideológicamente, sorprende. La cinta es entretenimiento y acción, pero con propósito. No hay nada más aburrido que el cine que no se sostiene por ideas, este no es el caso.

En medio de la trama sobre una familia que debe sobrevivir a un cambio fuera de lo común, existe una historia personal que no llegas a saber muy bien hasta que avanza y eso mantiene el interés.

Parece imposible que la vida que conocemos deje de existir, que nuestra época se transforme de una forma en que apenas llegue a ser reconocible, sin embargo, es muy cierto que los cambios más irreales e imposibles, pueden presentarse cualquier día de la semana.

«El final de la calle Oak» nos cuenta una historia donde los personajes deben hacer uso de la inteligencia y el autocontrol, en este aspecto tiene muchas similitudes con la vida real, donde es necesario implementar nuestras mejores herramientas internas, para mantenernos con vida en una realidad que puede cambiar de imprevisto cada mañana.

@luisauguetoliendo

Ni tan glamorosa

 

Contar la vida cotidiana no es tan fácil como parece, en ella se esconden las grandes tragedias y problemáticas de la mayoría de la gente, no importa en qué lugar del mundo vivas.

En «Vidas entrelazadas», disponible en plataformas de streaming, protagonizada por Angelina Jolie y dirigida por la francesa Alice Winocour, la cotidianidad de un grupo de mujeres refleja visiones distintas de una realidad. El mundo de la moda, tantas veces idealizado, es un escenario más donde perfectamente pueden coexistir el drama, la injusticia y las insatisfacciones. Ni todo lo que parece es, ni todo lo que es puede percibirse de inmediato.

Una directora de cine, una modelo ucraniana, una estudiante de farmacia originaria de Nairobi y una maquilladora, tendrán que enfrentar cambios y tomar decisiones importantes sobre sus vidas en medio de la Semana de la moda en París, donde nada es tan glamoroso como parece.

La película se enriquece al dedicarle igual cantidad de tiempo a cada una de las historias para que podamos entender el punto de vista de los personajes femeninos, quienes no están viviendo existencias armoniosas, aunque pertenecen a un mundo presentado como perfecto.
La moda es un espectáculo y como en todo show, se miente para vender un sueño, un ideal, que la mayoría de las veces no tiene mucho que ver con la realidad, incluso, de quienes lo llevan a cabo.

En el largometraje se expone cómo los problemas que pueden surgir en la vida cotidiana, aunque vengan envueltos en seda o perfume Chanel, siguen siendo urgentes, desagradables y difíciles de solucionar. «Couture», en su nombre original, descubre cómo el oropel es incapaz de tapar el dolor. Las mujeres en todo el mundo sufren por razones parecidas y enfrentan problemas similares, quizás este sea el mensaje implícito de una historia que entretiene porque promete lo que cumple.

@luisauguetoliendo

Familia ausente

 

Cuando empiezas a ver «El ser querido» la contundencia de las primeras escenas y los diálogos no te dejará pensar. El buen cine tiene esa cualidad, te arranca de tu vida y te hace protagonista de la ajena.

Mucho del mérito de esta película, disponible en plataformas de streaming, recae en la actuación de Javier Bardem. El actor español se transforma en sus personajes. En esta ocasión es un director de cine que tiene que enfrentar el peso de sus elecciones en sus relaciones, específicamente con su hija mayor.

La familia es un núcleo lleno de amor, pero también de resentimiento y malos entendidos. Rápidamente se pierde la fe en esas personas que son parte de nuestra vida cuando los vínculos no se alimentan adecuadamente. «El ser querido» habla de eso, de cómo recuperar una relación que se ha desgastado por la ausencia y los malos entendidos, puede ser un proyecto casi imposible de materializar. Sin embargo, los sentimientos impulsan a los personajes a intentarlo. Todos lo hemos vivido: puede terminar una relación, pero no necesariamente el afecto. El verdadero amor es infinito y pervive incluso en el desacuerdo y el odio.

La película de Rodrigo Sorogoyen nos permite inmiscuirnos en una historia donde la tensión no nos revela las intenciones de los personajes, aunque llegas a conocerlos y por ende a entender sus motivaciones. El largometraje es un drama que no busca la estridencia, por el contrario, se construye con detalles que el director expone sutilmente.

Es fácil identificarse con los personajes, tanto con el padre como con la hija, muy seguramente te ha pasado, querer estar con alguien a quién no le puedes creer. Esto genera un problema, porque el amor y la fe van de la mano, cuando la primera se agota, el segundo se marcha como una hoja arrastrada por el viento.

@luisauguetoliendo

Resistir

 

¿Qué se debe hacer cuando llegan los malos momentos: pausar la vida o seguir adelante con el corazón roto? En «No se dice buena suerte» (Netflix, 2026) dirigida por Julia Hart, los personajes responderán esa pregunta con sus acciones. El largometraje, una comedia dramática musical protagonizada por Sunny Sandler, hija del actor Adan Sandler, la tragedia llega a una familia en apariencia perfecta, tendrán que lidiar con una enfermedad grave, el cáncer, que redefinirá sus vínculos.

Si bien es cierto que la película está dirigida a un público joven, su simpleza oculta una mediana profundidad. Las tragedias no se pueden vivir 24X7, pase lo que pase, hace falta comer, trabajar, entretenerse, ver pasar el tiempo para que el dolor no se apodere en un 100% de la vida. Nadie soporta sufrir 24 horas al día. En la película la protagonista intenta seguir adelante dándole toda su energía a lo que puede controlar.

El arte, como la posibilidad de comunicar y canalizar el dolor, es uno de los temas de este drama que tiene al cáncer como un personaje secundario. Se habla de la enfermedad, pero no se le entrega el foco absoluto de atención, como en otras comedias de este estilo, ya que lo fundamental son los sentimientos de los personajes, su forma de ver la vida y el mundo.

Cuando nos topamos de frente con la desgracia, y no hay forma de eludirla, los seres humanos tenemos una caja de herramientas infinita, un montón de posibilidades que podemos implementar para enfrentar la vida cotidiana. Nunca llegas a saber el valor que tienes hasta que algo te obliga a ponerlo a tu servicio.

En estas ideas descansa este largometraje, que podría ser una película de Netflix superficial y mucho más simple, y sin embargo, genera buenas emociones, entretenimiento, humor, drama y reflexión en partes iguales.

@luisauguetoliendo

Madre a fuerza

 

La maternidad es una obsesión para algunas mujeres, sobre todo cuando se ven imposibilitadas de desarrollarla. No todas pueden tener hijos y el no poder hacerlo genera desesperación en algunos casos. En el documental de Netflix de Maite Alberdi, Un hijo propio (2026), se cuenta la historia de una mujer que tomó una decisión equivocada para poder materializar el sueño de la maternidad.

La historia real de Eleonor Alejandra Marín Mendoza, una mujer que en 2009 fue acusada de robar un recién nacido del Hospital General de la Ciudad de México, se cuenta en este audiovisual que no está estructurado convencionalmente.

Es un secreto a voces que algunas mujeres sienten la maternidad como una imposición social, como una necesidad del entorno, una obligación, cuando eso pasa, algunas llegan a extremos absurdos e incluso a quebrantar la ley.

El documental comienza recreando la historia desde el punto de vista de la protagonista. La directora no juzga a los personajes, pues parecen actuar desde la inocencia y el amor. Sin embargo, los resultados de sus actos revelarán que estos dos elementos también pueden ser dos buenas excusas para destruir la vida propia y la ajena.

La maternidad es un fin en sí mismo, sobre todo en América Latina, donde se idealiza el modelo de la familia tradicional. Esto no es necesariamente negativo, podría ser una fuente inagotable de felicidad, pero también un problema, si, por la razón que sea, no puedes construir un mundo con todos los elementos que la componen. Cada vida es diferente, y cada matrimonio también lo es, parece obvio, pero no para los personajes de esta historia.

Finalmente, el audiovisual muestra todos los puntos de vista de un embrollo en el que se ven involucradas dos familias y un bebé, que no tiene la culpa de haber llegado a este mundo.

@luisauguetoliendo

Manuel Escolano

 

A veces parece que en Venezuela desconocemos a nuestros actores, se pierde de vista una trayectoria de treinta o cuarenta años porque la vida cotidiana y la actualidad consume a los televidentes que actualmente solo viven pendientes del streaming.

La memoria del venezolano ocasionalmente es cruel porque desecha rápidamente a esas figuras que en su día fueron relevantes. Sin embargo, aunque en ocasiones no se recuerdan nombres, es imposible borrar la imagen de aquellos que forman parte de producciones que vemos reiteradamente incluso sin querer en redes sociales. El cielo de los actores son sus producciones donde viven eternamente.

Manuel Escolano tuvo una carrera larga. Cuando la industria en Venezuela era prolífica y se realizaban varias producciones por año, él fue protagonista y actor de reparto de historias exitosas.

Actuaba con naturalidad, era versátil, se adaptó a cada rol que interpretó, lo que le permitió ser un personaje constante en las producciones que alimentaban las pantallas a nivel nacional. Nacido en España el 26 de mayo de 1948, eligió Caracas como el escenario de su carrera que comenzó en los años 70. Protagonizó «Stella» y «El retrato de un canalla» con Alba Roversi. Destacó en producciones como «Rafaela», «Buenos días», «Isabel», «La heredera», «Las amazonas», «Alejandra», entre otras. Participó en infinidad de producciones desde los años 70 hasta finales del 2013. Su amor por la actuación fue una larga paciencia.

Recientemente podemos verlo en «Voltea pa’ que te enamores», producción de Venevisión que ha sido retransmitida un sinfín de veces. Su personaje, el Doctor Marco Aurelio, sigue siendo imprescindible para los fanáticos de la historia de Mónica Montañez. Manuel Escolano es uno de esos actores cuya historia nunca podrá disolverse, aunque el tiempo, que siempre va en ascenso, nos quiera hacer olvidar la vida que hemos presenciando y de la que somos parte.

@luisauguetoliendo

Creencias

 

Las obsesiones se generan debido a nuestras necesidades personales. Vemos lo que queremos ver o lo que necesitamos ver. En ‘Los creyentes’, el nuevo estreno español de Netflix protagonizado por José Coronado y Stéphanie Magnin esta idea se hace presente generando entretenimiento y reflexión.

La película, que tiene una narración convencional, cuando comienza parece ser lo que no es, y esto termina siendo positivo para nosotros los espectadores, ya que la magia comienza cuando cambia bruscamente.

El largometraje nos cuenta la historia sobre un padre y una hija, la muerte de un ser querido y el peso que puede generar el conflicto al tener que aceptarla. Cuando alguien deja este mundo, ¿quién sufre más? ¿El que ya no está o los que nos quedamos? Para nosotros, los que estamos vivos y conscientes, el dolor puede ser un castigo cotidiano que nos empuja a buscar respuestas a preguntas complicadísimas que generalmente no podemos ni entender.

En esta película española es importante no perder de vista esa idea. El dolor nos hace actuar de un modo errático y ocasionalmente nos empuja a vivir circunstancias desagradables generando caos para otros y para uno mismo. Esto último les sucede a los personajes que intentarán escapar de su conciencia viviendo la ilusión de una certeza que se destruye en segundos.

Además de exponer una historia personal, el largometraje habla de un fenómeno social que puede llegar a generar problemas graves. En esta época de noticias falsas y viralidad,  no son pocos quienes dicen tener la verdad y usan el internet para potenciar su mensaje. Hay que tener cuidado con quiénes escuchamos y les creemos; no todos tienen buenas intenciones.

‘Los creyentes’ mezcla suspenso y drama en una historia que no tiene desperdicio y que te llevará a pensar en esas ideas que muy seguramente también te persiguen.

‎@luisauguetoliendo

 

La Odisea

 

Christopher Nolan revive un clásico para brindarnos su perspectiva sobre una historia conocida. En un mundo donde los países más poderosos tienen delirios de colonización, la obra de Homero no parece lejos de la actualidad.

‎‎Las guerras nunca traen buenos resultados, siempre mueren los inocentes. Los deseos de “justicia” terminan generando las peores atrocidades. ¿Quiénes son los héroes y quiénes los villanos cuando la avaricia y el descontrol marcan los conflictos por un territorio?

‎‎La película protagonizada por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, y basada en el poema épico griego, luego de recrear los obstáculos que debe sortear Odiseo para volver a Ítaca, presenta cuestionamientos que hoy no pasan desapercibidos.

‎‎Los clásicos llegan a serlo precisamente porque no tienen fecha de caducidad. «La Odisea» es una de esas historias que, más allá del paso del tiempo, puede ser comprendida como lo que es, una reflexión sobre la ambición, la desmesura, la necesidad de la lealtad y la perseverancia para lograr los objetivos.

‎‎La Hibris, ausencia de mesura, es la peor falta en la vida en sociedad de los griegos. En el largometraje algunos personajes se dejan llevar por ella. El viaje de Odiseo le genera la posibilidad de descubrir en sí mismo cuánto hay de heroico o cruel en los acontecimientos que generó.

‎‎La película, que goza de una fotografía impecable y buenos efectos especiales, entretiene y nos somete a su discurso poético y reflexivo. Obviamente al ser la versión de una obra, el director se tomó la libertad de tratar a los personajes como creyó necesario, darle protagonismo a unos, eliminar otros y contar una historia que estuviese cerca de sus intenciones.

‎‎Finalmente, su buena realización puede jugar en contra de sus planteamientos. Ojalá los espectadores vean mucho más allá de su espectacularidad y descubran las ideas que expone.

‎‎@luisauguetoliendo

Buscar justicia

 

El cine histórico, además de su valor estético y de entretenimiento, contiene un elemento extra: nos permite acercarnos a momentos que probablemente desconocemos e incluso no entendemos en su totalidad.

Thurgood Marshall, el primer juez negro en la corte suprema de Estados Unidos, tuvo que aprender a imponerse. Su vida fue una larga paciencia y una muestra de autoconfianza que no se ve frecuentemente.

El desaparecido actor Chadwick Boseman protagoniza esta película sobre la justicia y el valor para perseguir la vocación contra viento y marea. La cinta es una excusa para acercarnos a un período histórico y también a la personalidad fascinante de un hombre con un gran poder de convencimiento que se negó a vivir según las necesidades ajenas.

Reginald Hudlin dirige este largometraje que podría ser una simple reivindicación, pero termina siendo una aventura fascinante por el temperamento de un hombre y su capacidad para adaptarse y prosperar a pesar de las circunstancias que lo rodeaban. En Marshall la representación de la época con sus prejuicios incluidos, nos permite entender rápidamente lo que se nos plantea e incluso tomar partido por los distintos personajes.

Marshall se centró en defender a todas esas personas que, a pesar de tener la razón y ser inocentes, no tenían posibilidades de ganar.
Desde el inicio de la cinta será evidente que la persistencia e inteligencia de Marshall generará cambios que trascendieron su propio tiempo. La película cuenta en los roles principales con Kate Hudson y Josh Gad.

La biografía nos muestra que lo más importante para vivir una existencia con sentido es tener confianza en uno mismo. Thurgood Marshall nació en 1908 y murió en 1993, por lo que tuvo la oportunidad de ser parte de cambios importantes para la comunidad negra en Estados Unidos donde desarrolló una carrera larga y productiva.

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Lamata digital

 

El director de cine venezolano Luis Alberto Lamata tuvo una carrera prolífica. Desde los años ochenta trabajó en cine y televisión creando obras ya clásicas de la cinematografía nacional. Su muerte, acaecida el pasado 24 de agosto del 2025, puso fin a su vida, pero no a su obra que podemos encontrar en su página web luisalbertolamata.com.

Esta web perfectamente organizada contiene, además de información esencial sobre su carrera y filmografía, una sala de proyección donde podemos ver títulos como: «Jericó» (1990), «Desnudo con naranjas» (1995), «Salserín, la primera vez» (1997) o películas urbanas como «El enemigo» (2008) o «Parque Central» (2018), entre tantas otras.

Sus largometrajes sobre la historia de Venezuela, la violencia social, la ciudad y la memoria popular están muy bien organizados en esta plataforma digital que busca mantener e impulsar su legado.

Como director, tanto en cine como en televisión, Luis Alberto Lamata, podría definirse como un artista detallista, pulcro y amante de la belleza, que buscaba la excelencia y el desarrollo de sus ideas para establecer un discurso que pudiera definir su perspectiva de la realidad.

Su película «Desnudo con naranjas» posee una calidad uniforme en todos los elementos que la conforman. Inspirada en el relato “El genio de la botella” de Robert Louis Stevenson, y ambientada en los años de la Guerra Federal venezolana de mediados del siglo XIX, el largometraje nos cuenta una historia de amor de dos soledades que se encuentran.

El trabajo de Lamata en televisión comenzó con producciones como «El análisis» o «Sol de antaño», entre otras desarrolladas en el llamado Ciclo de Oro de Rómulo Gallegos. Luego dirigió telenovelas y series como «Señora», «Las dos Dianas», «Mansión de Luxe», etc.

Para disfrutar la obra de Luis Alberto Lamata puedes visitar su muy actualizada web.

@luisauguetoliendo