Madre a fuerza

 

La maternidad es una obsesión para algunas mujeres, sobre todo cuando se ven imposibilitadas de desarrollarla. No todas pueden tener hijos y el no poder hacerlo genera desesperación en algunos casos. En el documental de Netflix de Maite Alberdi, Un hijo propio (2026), se cuenta la historia de una mujer que tomó una decisión equivocada para poder materializar el sueño de la maternidad.

La historia real de Eleonor Alejandra Marín Mendoza, una mujer que en 2009 fue acusada de robar un recién nacido del Hospital General de la Ciudad de México, se cuenta en este audiovisual que no está estructurado convencionalmente.

Es un secreto a voces que algunas mujeres sienten la maternidad como una imposición social, como una necesidad del entorno, una obligación, cuando eso pasa, algunas llegan a extremos absurdos e incluso a quebrantar la ley.

El documental comienza recreando la historia desde el punto de vista de la protagonista. La directora no juzga a los personajes, pues parecen actuar desde la inocencia y el amor. Sin embargo, los resultados de sus actos revelarán que estos dos elementos también pueden ser dos buenas excusas para destruir la vida propia y la ajena.

La maternidad es un fin en sí mismo, sobre todo en América Latina, donde se idealiza el modelo de la familia tradicional. Esto no es necesariamente negativo, podría ser una fuente inagotable de felicidad, pero también un problema, si, por la razón que sea, no puedes construir un mundo con todos los elementos que la componen. Cada vida es diferente, y cada matrimonio también lo es, parece obvio, pero no para los personajes de esta historia.

Finalmente, el audiovisual muestra todos los puntos de vista de un embrollo en el que se ven involucradas dos familias y un bebé, que no tiene la culpa de haber llegado a este mundo.

@luisauguetoliendo

Manuel Escolano

 

A veces parece que en Venezuela desconocemos a nuestros actores, se pierde de vista una trayectoria de treinta o cuarenta años porque la vida cotidiana y la actualidad consume a los televidentes que actualmente solo viven pendientes del streaming.

La memoria del venezolano ocasionalmente es cruel porque desecha rápidamente a esas figuras que en su día fueron relevantes. Sin embargo, aunque en ocasiones no se recuerdan nombres, es imposible borrar la imagen de aquellos que forman parte de producciones que vemos reiteradamente incluso sin querer en redes sociales. El cielo de los actores son sus producciones donde viven eternamente.

Manuel Escolano tuvo una carrera larga. Cuando la industria en Venezuela era prolífica y se realizaban varias producciones por año, él fue protagonista y actor de reparto de historias exitosas.

Actuaba con naturalidad, era versátil, se adaptó a cada rol que interpretó, lo que le permitió ser un personaje constante en las producciones que alimentaban las pantallas a nivel nacional. Nacido en España el 26 de mayo de 1948, eligió Caracas como el escenario de su carrera que comenzó en los años 70. Protagonizó «Stella» y «El retrato de un canalla» con Alba Roversi. Destacó en producciones como «Rafaela», «Buenos días», «Isabel», «La heredera», «Las amazonas», «Alejandra», entre otras. Participó en infinidad de producciones desde los años 70 hasta finales del 2013. Su amor por la actuación fue una larga paciencia.

Recientemente podemos verlo en «Voltea pa’ que te enamores», producción de Venevisión que ha sido retransmitida un sinfín de veces. Su personaje, el Doctor Marco Aurelio, sigue siendo imprescindible para los fanáticos de la historia de Mónica Montañez. Manuel Escolano es uno de esos actores cuya historia nunca podrá disolverse, aunque el tiempo, que siempre va en ascenso, nos quiera hacer olvidar la vida que hemos presenciando y de la que somos parte.

@luisauguetoliendo

Creencias

 

Las obsesiones se generan debido a nuestras necesidades personales. Vemos lo que queremos ver o lo que necesitamos ver. En ‘Los creyentes’, el nuevo estreno español de Netflix protagonizado por José Coronado y Stéphanie Magnin esta idea se hace presente generando entretenimiento y reflexión.

La película, que tiene una narración convencional, cuando comienza parece ser lo que no es, y esto termina siendo positivo para nosotros los espectadores, ya que la magia comienza cuando cambia bruscamente.

El largometraje nos cuenta la historia sobre un padre y una hija, la muerte de un ser querido y el peso que puede generar el conflicto al tener que aceptarla. Cuando alguien deja este mundo, ¿quién sufre más? ¿El que ya no está o los que nos quedamos? Para nosotros, los que estamos vivos y conscientes, el dolor puede ser un castigo cotidiano que nos empuja a buscar respuestas a preguntas complicadísimas que generalmente no podemos ni entender.

En esta película española es importante no perder de vista esa idea. El dolor nos hace actuar de un modo errático y ocasionalmente nos empuja a vivir circunstancias desagradables generando caos para otros y para uno mismo. Esto último les sucede a los personajes que intentarán escapar de su conciencia viviendo la ilusión de una certeza que se destruye en segundos.

Además de exponer una historia personal, el largometraje habla de un fenómeno social que puede llegar a generar problemas graves. En esta época de noticias falsas y viralidad,  no son pocos quienes dicen tener la verdad y usan el internet para potenciar su mensaje. Hay que tener cuidado con quiénes escuchamos y les creemos; no todos tienen buenas intenciones.

‘Los creyentes’ mezcla suspenso y drama en una historia que no tiene desperdicio y que te llevará a pensar en esas ideas que muy seguramente también te persiguen.

‎@luisauguetoliendo

 

La Odisea

 

Christopher Nolan revive un clásico para brindarnos su perspectiva sobre una historia conocida. En un mundo donde los países más poderosos tienen delirios de colonización, la obra de Homero no parece lejos de la actualidad.

‎‎Las guerras nunca traen buenos resultados, siempre mueren los inocentes. Los deseos de “justicia” terminan generando las peores atrocidades. ¿Quiénes son los héroes y quiénes los villanos cuando la avaricia y el descontrol marcan los conflictos por un territorio?

‎‎La película protagonizada por Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, y basada en el poema épico griego, luego de recrear los obstáculos que debe sortear Odiseo para volver a Ítaca, presenta cuestionamientos que hoy no pasan desapercibidos.

‎‎Los clásicos llegan a serlo precisamente porque no tienen fecha de caducidad. «La Odisea» es una de esas historias que, más allá del paso del tiempo, puede ser comprendida como lo que es, una reflexión sobre la ambición, la desmesura, la necesidad de la lealtad y la perseverancia para lograr los objetivos.

‎‎La Hibris, ausencia de mesura, es la peor falta en la vida en sociedad de los griegos. En el largometraje algunos personajes se dejan llevar por ella. El viaje de Odiseo le genera la posibilidad de descubrir en sí mismo cuánto hay de heroico o cruel en los acontecimientos que generó.

‎‎La película, que goza de una fotografía impecable y buenos efectos especiales, entretiene y nos somete a su discurso poético y reflexivo. Obviamente al ser la versión de una obra, el director se tomó la libertad de tratar a los personajes como creyó necesario, darle protagonismo a unos, eliminar otros y contar una historia que estuviese cerca de sus intenciones.

‎‎Finalmente, su buena realización puede jugar en contra de sus planteamientos. Ojalá los espectadores vean mucho más allá de su espectacularidad y descubran las ideas que expone.

‎‎@luisauguetoliendo

Buscar justicia

 

El cine histórico, además de su valor estético y de entretenimiento, contiene un elemento extra: nos permite acercarnos a momentos que probablemente desconocemos e incluso no entendemos en su totalidad.

Thurgood Marshall, el primer juez negro en la corte suprema de Estados Unidos, tuvo que aprender a imponerse. Su vida fue una larga paciencia y una muestra de autoconfianza que no se ve frecuentemente.

El desaparecido actor Chadwick Boseman protagoniza esta película sobre la justicia y el valor para perseguir la vocación contra viento y marea. La cinta es una excusa para acercarnos a un período histórico y también a la personalidad fascinante de un hombre con un gran poder de convencimiento que se negó a vivir según las necesidades ajenas.

Reginald Hudlin dirige este largometraje que podría ser una simple reivindicación, pero termina siendo una aventura fascinante por el temperamento de un hombre y su capacidad para adaptarse y prosperar a pesar de las circunstancias que lo rodeaban. En Marshall la representación de la época con sus prejuicios incluidos, nos permite entender rápidamente lo que se nos plantea e incluso tomar partido por los distintos personajes.

Marshall se centró en defender a todas esas personas que, a pesar de tener la razón y ser inocentes, no tenían posibilidades de ganar.
Desde el inicio de la cinta será evidente que la persistencia e inteligencia de Marshall generará cambios que trascendieron su propio tiempo. La película cuenta en los roles principales con Kate Hudson y Josh Gad.

La biografía nos muestra que lo más importante para vivir una existencia con sentido es tener confianza en uno mismo. Thurgood Marshall nació en 1908 y murió en 1993, por lo que tuvo la oportunidad de ser parte de cambios importantes para la comunidad negra en Estados Unidos donde desarrolló una carrera larga y productiva.

‎@luisauguetoliendo

Lamata digital

 

El director de cine venezolano Luis Alberto Lamata tuvo una carrera prolífica. Desde los años ochenta trabajó en cine y televisión creando obras ya clásicas de la cinematografía nacional. Su muerte, acaecida el pasado 24 de agosto del 2025, puso fin a su vida, pero no a su obra que podemos encontrar en su página web luisalbertolamata.com.

Esta web perfectamente organizada contiene, además de información esencial sobre su carrera y filmografía, una sala de proyección donde podemos ver títulos como: «Jericó» (1990), «Desnudo con naranjas» (1995), «Salserín, la primera vez» (1997) o películas urbanas como «El enemigo» (2008) o «Parque Central» (2018), entre tantas otras.

Sus largometrajes sobre la historia de Venezuela, la violencia social, la ciudad y la memoria popular están muy bien organizados en esta plataforma digital que busca mantener e impulsar su legado.

Como director, tanto en cine como en televisión, Luis Alberto Lamata, podría definirse como un artista detallista, pulcro y amante de la belleza, que buscaba la excelencia y el desarrollo de sus ideas para establecer un discurso que pudiera definir su perspectiva de la realidad.

Su película «Desnudo con naranjas» posee una calidad uniforme en todos los elementos que la conforman. Inspirada en el relato “El genio de la botella” de Robert Louis Stevenson, y ambientada en los años de la Guerra Federal venezolana de mediados del siglo XIX, el largometraje nos cuenta una historia de amor de dos soledades que se encuentran.

El trabajo de Lamata en televisión comenzó con producciones como «El análisis» o «Sol de antaño», entre otras desarrolladas en el llamado Ciclo de Oro de Rómulo Gallegos. Luego dirigió telenovelas y series como «Señora», «Las dos Dianas», «Mansión de Luxe», etc.

Para disfrutar la obra de Luis Alberto Lamata puedes visitar su muy actualizada web.

@luisauguetoliendo

Hablar eternamente

 

¿Cómo hablar con alguien que no está? ¿Cómo aceptar que esa persona con la que compartiste tu vida ya no se encuentra a tu alcance?  Zoey Deutsch protagoniza esta comedia romántica, que más parece una historia sobre el duelo y la tristeza profunda que produce la ausencia de los seres queridos, que un romance al estilo Hollywood.

«‎‎Mensajes de voz para Isabelle» (Netflix, 2026) se desarrolla bajo una premisa real: la muerte no es un límite para el amor. Por el contrario, genera apego por las personas queridas.

‎‎Cuando tenemos un vínculo real, vivir sin él es una forma de tortura, es complicado seguir respirando sin quienes han sido fundamentales en nuestra existencia. Cuando se ama se necesita de ese amor en la vida cotidiana. Por eso es comprensible que la protagonista de este largometraje, Jill (Zoey Deutsch) siga enviando mensajes de voz al teléfono de su hermana, Isabelle, cuando ella ya no puede responderle.

‎‎La película revela como un vínculo profundo, en este caso entre dos hermanas, es más fuerte que la separación que genera la muerte. Nadie quiere perder y mucho menos soltar a los que ama.

‎‎El largometraje navega entre la nostalgia y las anécdotas que intentan ser divertidas de la protagonista, una aspirante a pastelera que hará lo imposible por seguir con su vida, en medio de la tristeza y la soledad.

‎‎Obviamente que antes de llegar a la mitad, conocerá al héroe de esta historia que terminará siendo más bien un antihéroe. Sin embargo, como en toda comedia romántica el destino los ayudará a coincidir y encontrar razones para acercarse.

‎‎Dirigida por Leah McKendrick, la película puede que sea obvia, pero gana puntos por el encanto de la Julia Roberts de nuestro tiempo, Zoey Deutsch, una actriz que sabe generar interés en las historias que protagoniza.

‎‎@luisauguetoliendo

Marilyn 100

 

El pasado 1 de junio Marilyn Monroe habría cumplido 100 años. La actriz tuvo una vida que puede parecer envidiable y, sin embargo, estuvo llena de tanta fama y dinero como de estrés y soledad.

Los estragos de una infancia dura pesarían siempre en su vida emocional que fue caótica. Pasó su infancia en hogares de acogida y orfanatos, ya que su madre, Gladys Pearl, una mujer soltera, no tenía los recursos necesarios para mantenerla.

A los 16 no le fue difícil decidir si contraer matrimonio con su vecino James Dougherty, de 21 años, o seguir con su vida de huérfana. Se casó y consiguió empleo en una fábrica de radiotransmisores del ejército.

Fue entonces cuando un fotógrafo de la armada le tomó unas fotografías que cambiarían su destino. En 1947 pasó a llamarse Marilyn Monroe y comenzó su carrera cinematográfica.

Tuvo una imagen sensual que alimentaba, y sin embargo, muchas veces también quiso abandonar. Quería ser tomada en serio como actriz.

No obstante, ella misma fue el principal obstáculo para que eso ocurriera. Desde que en 1953 fue portada de Playboy su historia ya se había escrito.

Su voluptuosidad y belleza la hicieron más famosa que sus dotes interpretativos. Su imagen de rubia tonta y sensual se consolidó con su rol en Los caballeros las prefieren rubias (1953).

Marilyn intentó modificar su suerte, en 1955 se mudó a Nueva York, donde estudió bajo la tutela de Lee Strasberg, director en ese momento del ya famoso Actor’s Studio.

Un año antes de morir, estuvo recluida en un hospital psiquiátrico, quería sanarse. Sin embargo, una cadena de sucesos desafortunados la llevaron a la tragedia que terminó con su vida en agosto de 1962.

Más allá de los misterios sobre su muerte (si fue suicidio o asesinato) es fácil deducir que su desequilibrio forjó su oscuro destino.

@luisauguetoliendo

Racismo terrorífico

 

Si encajar es tu objetivo puedes pagar un precio muy alto. En «Nueva identidad» («Slanted»), disponible en plataformas de streaming, una joven china americana tratará de encontrar su lugar en su nuevo entorno cambiando radicalmente.

La película es una sátira sobre el racismo y los privilegios que puedes recibir en algunos entornos simplemente por tener una imagen determinada. Ser chino, negro o latino, aún en nuestros tiempos, puede resultar un obstáculo en un mundo donde algunos esperan que se cumplan parámetros establecidos décadas atras.

El llamado “privilegio blanco” es analizado con sinceridad y crudeza en esta película de terror que tiene mucho de drama y algo de ciencia ficción.

Recordando a la recientemente premiada «La sustancia» (2024), este largometraje reflexiona directamente sobre los cánones de belleza y la importancia que tienen, sobre todo para los adolescentes que están buscando empatía y sentido de pertenencia.

Amy Wang, directora de origen chino, muestra cómo el racismo no ha quedado en el pasado sobre todo en los países del llamado “primer mundo”. Por el contrario, genera conflictos con los que tenemos que lidiar ocasionalmente.

La protagonista no soportará la presión que genera el rechazo. Esto desencadenará los acontecimientos que la llevan a cambiar.

A pesar de su estructura simple, la historia se esmera para mostrar el dolor de los personajes. Es fácil identificarse con esa necesidad de ser queridos y respetados en la adolescencia, donde creemos que caerle mal al resto puede significar el fin del mundo.

Además el largometraje explora cómo el racismo puede ser, además de un ataque externo, una agresión interna. La protagonista, termina cayendo en la trampa que ayudó a construir, y tendrá que intentar descubrir que no hay nada mejor que ser uno mismo, sin importar lo que eso signifique. Finalmente, el suspenso develará un desenlace sorprendente.

@luisauguetoliendo

Gente caprichosa

 

Si algunas fantasías se convirtieran en realidad, no necesariamente generarían algo positivo. Cuidado con lo que deseas porque puede tener repercusiones adversas.
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‘‎Obsesión’ (2026), de Curry Barker, en cartelera, tiene estas ideas como premisa fundamental. Aunque no se queda solo en eso, en este largometraje que combina el suspenso, el terror y el gore, los personajes no solo deben hacerse cargo de sus deseos, también de las intenciones que esconden.
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‎La película juega muy bien sus cartas sobre todo apoyándose en las actuaciones de los protagonistas. La joven actriz Inde Navarrete y Michael Johnston se apoderan de sus roles para llevar mucho más lejos los planteamientos en apariencia simples del largometraje. 
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‎Un amor no correspondido y un deseo cumplido que se convierte en una pesadilla pudieron haber sido una propuesta obvia, pero el director apuesta por reflexionar sobre otros aspectos ligados a los vínculos románticos.
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‎Las relaciones de pareja pueden ser la consecuencia de un capricho, a veces nos obsesionamos con una persona de la que sabemos poco o nada, solamente porque creemos que puede otorgarnos placer y alegría. Eso de ponerle a la felicidad el nombre de alguien no siempre termina bien y tampoco obedece a un motivo encomiable. En muchas ocasiones hay terquedad y malcriadez.
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‎Esto se dice indirectamente en la película, que toma el camino de la sátira para explicar lo infantiles que pueden llegar a ser algunos vínculos.
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‎¿Por qué desear el amor absoluto? ¿Para qué alguien querría ser amado más que a nada? ¿No es este un deseo egoísta y por tanto perverso? El terror será uno de los caminos que utiliza el director para explicar estos planteamientos sobre las relaciones y las necesidades enfermizas que a veces generan, porque  quienes  “se enamoran”  irracionalmente también pueden generar destrucción y caos.

La película cumple lo que promete: adrenalina y desconexión.

@luisauguetoliendo

Almodóvar total

 

Al igual que en su película de 2019, Dolor y gloria, Pedro Almodóvar vuelve al cine en español con ‘Amarga Navidad’ (2026), actualmente en cartelera, para contar una historia confesional. Esta es una película arriesgada que pudo ser un despropósito, pero que finalmente triunfa.

Lo grandioso de Almodóvar es su capacidad para no traicionarse a sí mismo y, por el contrario, ahondar cada vez más en su forma de ser y de ver el mundo. Muestra otras aristas de una personalidad ya conocida por quienes son asiduos a su filmografía.

Protagonizada por Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez- Guijón, ‘Amarga Navidad’ juega con la metaficción en un ejercicio de honestidad brutal. El director se cuestiona a sí mismo y a la vez a su oficio: ¿vale todo para hacer una película? ¿Hay límites para usar la realidad al momento de contar una historia?

Los autores utilizan como inspiración todo tipo de situaciones, sobre todo las que más conocen, probablemente, uno de los protagonistas de su película La mala educación (2004), un director de cine que busca ideas en las noticias de sucesos, sería juzgado en esta nueva historia sobre la ética en el cine.

Almodóvar parece haber filmado esta película sobre todo para sí mismo y para hablar, una vez más, de sus razones para hacer películas (o no hacerlas), de la realidad y su peso en la vida cotidiana, también del valor intrínseco que tiene el cine. La película presenta un juego que permite reflexionar desde diversos puntos de vista, finalmente es una historia dentro de otra historia, ambas sobre las implicaciones de contar.

A pesar de su complejidad estructural, no es solamente un ejercicio artístico, también tiene mucho humor y es muy entretenida; como en el resto de su filmografía, la tensión se mantiene desde el minuto uno hasta el final.

@luisauguetoliendo

Verdad o mentira

 El documental ‘El choque’ (2026) expone cómo la verdad no es tan fácil de conocer. Creemos saber quiénes son los otros, cómo serán sus reacciones, cómo es su forma de vivir y de pensar, sin embargo, puede suceder algo que cambie nuestra percepción.
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‎Sobre todo en esta época donde tratamos de exponer lo mejor de nuestra vida en redes sociales, muy frecuentemente sucede que aquello que vemos (y mostramos) es solo un 1%.
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‎Precisamente de eso va este documental, de un accidente que termina siendo un crimen o tal vez no, hay diferentes versiones sobre un hecho que generó la tragedia de varias familias. Lo más interesante,  de este audiovisual disponible en Netflix,  es el contraste que se hace de esas versiones. 
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‎Una joven choca con su novio y un amigo. Ella se salva y el resto muere. Se supone que tenían vínculos llenos de amor y amistad, pero pronto se descubre que sus relaciones estaban plagadas de conflictos. 
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‎¿De verdad la muerte de estas dos personas fue causada por un accidente o existió una intención?  Esta es la pregunta que intenta responder este documental tomando en cuenta el punto de vista de casi todos los involucrados.    
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‎No obstante, ese es un cuestionamiento difícil de responder porque es complicado dilucidar la verdad entre tanta mentira. Aunque quizás todo depende de tu disposición para elegir una versión u otra.
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‎Los protagonistas de la historia, familiares de las víctimas y de la victimaria, cuestionan los hechos e intentan defender su punto de vista  en el documental que busca ser objetivo  hasta el final.
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‎¿Quién dice la verdad? Cada uno deberá elegir la historia que le parezca más cercana a la realidad. En cualquier caso sorprende redescubrir que en la vida nada es como parece y cómo la verdad es un territorio lleno de claroscuros casi siempre inescrutables.
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‎@luisauguetoliendo

Iluminar el alma

 

Nadie quiere estar solo, vivir una existencia sin propósito, sin esperanza. En ‘Criaturas luminosas’ (2026) los personajes buscarán terminar con el ruido estruendoso que hace el silencio cuando no lo compartimos con nadie.
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‎Protagonizada por Sally Field, Lewis Pullman y Alfred Molina, la película cuenta la historia de dos soledades o más bien de tres, que en un momento definitivo se encuentran sin saber que sus historias están más conectadas de lo que imaginan.
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‎Cuando todo parece ir mal, es muy fácil sentir que nuestro destino ha sido el resultado de un montón de errores. Sin embargo, tal vez son esos momentos los que nos empujan a ver con claridad la verdad de nuestra alma. Bien dicen que para encontrarse hay que perderse primero. En este largometraje, los personajes podrán a prueba esa teoría.
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‎La película de Olivia Newman sigue a una mujer mayor que parece haber perdido todo, a un joven que no sabe qué hacer con su vida y a una criatura peculiar que se vinculará con el resto de un modo inesperado.

’Criaturas luminosas’ es una película sobre las necesidades del alma, sobre todo esa de compartir lo pequeño y lo importante con quienes nos rodean. Los personajes deben iluminar las zonas de sombra de su interior y develar, primero a sí mismos, sus verdaderos sentimientos para descifrar su destino.
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‎Durante toda la película, que se pasa muy rápido porque es amena, intentarán entender la realidad, los espectadores solo al final podremos descubrirlo junto a ellos. Nos llevaremos una sorpresa que vale cada segundo de la película.
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‎Recordando largometrajes como ‘El gran pez’ (2003) de Tim Burton, esta película refleja la importancia del amor y la capacidad de soñar en la vida cotidiana.
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‎El largometraje, que se puede ver en Netflix, está basado en el libro homónimo de Shelby Van Pelt.
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‎@luisauguetoliendo 

Volver a Chalbaud

 

Román Chalbaud fue un artista y un fanático del cine. Es imposible hablar de películas venezolanas sin mencionarlo. Filmó y escribió largometrajes que transformaron la carrera de muchos actores. Además, generó un punto de partida donde se apoyaron otros realizadores. Su forma de hacer cine marcó una referencia que no podrá ser eclipsada. Sus colaboraciones con músicos como Federico Ruiz crearon obras de gran valor artístico. Además, trabajó con los mejores guionistas: José Ignacio Cabrujas y David Suárez escribieron junto a él algunas de sus películas.

Llevó libros al cine, como ‘Cuatro crímenes, cuatro poderes’ de Fermín Mármol León (en ‘Cangrejo’ de 1982 y sus secuelas), ‘Manon Lescaut’ del Abate Prévost (en ‘Manón’, 1986) o Carmen’ de Prosper Mérimée, basada en la ópera de Georges Bizet (en ‘Carmen la que contaba 16 años’, 1978).

Filmó películas que hacen reír, dramas complejos e incluso cintas de acción que reflejan la miseria y la esperanza de un país que podría ser cualquiera de América Latina o del mundo.Las historias que hablan sobre emociones y necesidades humanas no tienen época.

El dolor es universal; la pasión y la rabia también. El tiempo pone a cada uno en su lugar. En la vida y en el cine ser uno mismo tiene mérito y sobre todo te ayuda a vivir una vida coherente que te haga sentir satisfecho con quién has sido.

«Siempre quise hacer cine. Cuando niño recortaba las cosas de los periódicos y pegaba en un álbum las fotos de los artistas que me gustaban, ya inventaba películas y las producía ligando unos actores con otros en mis papeles», contó a Susana Rotker en una entrevista a finales de los años setenta.

El director merideño dedicó la vida entera a hacer cine, su obra se defiende sola; no lo necesita a él ni a ninguno de nosotros para mantenerse vigente.

@luisauguetoliendo

«Michael» (2026)

 

Las biografías sobre músicos, actores y cantantes la mayoría de las veces salen mal. Mientras más grande es el artista, con mayor talento y proyección, el largometraje que pretende contar su vida es mucho más sesgado y torpe.

«Michael» (2026) la película biográfica sobre el cantante Michael Jackson, no rompe con ese patrón. Aunque está muy bien producida y la música te hipnotiza, no cuenta nada en profundidad.

La película se centra en una etapa de su vida. Nos muestra su niñez y primera juventud en un relato que intenta exponer sus vínculos familiares. Sin embargo, no llega a hacerlo del todo. Ese es el principal problema de este largometraje dirigido por Antoine Fuqua («Día de entrenamiento», 2001), es superficial.

Aunque la película le otorga un gran protagonismo a la música, muestra al personaje parcialmente, además deja de lado momentos importantes de su vida personal y trayectoria artística.

Jaafar Jackson, sobrino del artista, realiza una caracterización sobresaliente y precisamente por eso es muy fácil darse cuenta que se pudo contar la historia desde una perspectiva más amplia.

Dicen que en la infancia se encuentran todos esos recuerdos que nos transforman el alma, que nos lesionan o nos construyen. Todo depende de la experiencia que hayamos tenido. Las estrellas infantiles son un ejemplo perfecto de eso, ya que algunos terminan pagando las consecuencias de su niñez. ¿Sucedió eso con Michael Jackson? Esa es la única interrogante que nos deja la cinta.

A pesar de sus falencias, la película vale la pena por ser un homenaje a la música, a la voz, al talento de un artista único del que se ha escrito y filmado de todo, y sin embargo, sigue siendo motivo de conversación por la alegría, el amor y la emoción que nos produce y nos seguirá generando en los años que están por venir.

@luisauguetoliendo

Pareja imperfecta

 

En el amor mostramos nuestra mejor cara. Nadie expone sus pecados o cuenta sus secretos más sórdidos. Nos gusta generar la mejor impresión, quizás porque en el fondo sabemos que a la hora de enamorarnos nos fijamos en quienes parecen tener más virtudes. El amor de pareja se idealiza, sobre todo al principio. 

‎‎En «El Drama» (2026), actualmente en cartelera a nivel nacional, la pareja que conforman Emma (Zendaya) y Charlie (Robert Pattinson) parece perfecta.

‎‎Kristoffer Borgli finge relatar una historia de amor convencional para transformar su película en un ensayo sobre la naturaleza de los vínculos.

‎‎Emma y Charlie se van a casar, pero el conocimiento de un hecho del pasado cambia todo.  “Contar es casi siempre un regalo” escribió el autor español Javier Marías, en esta película es un regalo inoportuno.

‎‎Cuando nos enamoramos ¿de qué lo hacemos? ¿De las virtudes de la otra persona, de sus errores, de quienes son en realidad o de lo que imaginamos? Vincularnos con otros es complejo porque los seres humanos lo somos. Frecuentemente en las relaciones no existe el blanco o el negro, los personajes descubrirán los diferentes matices de gris que las conforman.

‎‎El largometraje tiene todo lo que necesita para hacernos pensar: humor, drama, acción, buenas actuaciones. El clima de la película cambia constantemente con total intención y nos permite entender los planteamientos de cada personaje al obligarnos a ver los hechos desde su punto de vista.

‎‎Intensa y divertida al mismo tiempo, la película nos brinda una perspectiva realista de lo difícil que puede llegar a ser conocer a alguien verdaderamente y lo fácil que es tener vínculos superficiales.  

‎‎La película expone cómo la verdad (conocerla y contarla) puede llegar a ser el mayor obstáculo de una pareja feliz cuando se sataniza el error, que precisamente es lo que nos define como seres humanos.  

‎@luisauguetoliendo

Hollywood viciado

 

No todo es luminoso en la vida supuestamente perfecta de los actores más exitosos de la gran industria del cine. El Hollywood que golpea la autoestima, genera vicios, heridas y adicciones se retrata en «Outcome» (2026) de Jonah Hill.

La fama y el éxito tienen precios muy altos, al menos eso es lo que han repetido durante décadas los actores de mayor reconocimiento. La adicción a las drogas, la soledad y la depresión son consecuencias del estilo de vida al que la popularidad los expone, eso afirma Hill en esta sátira, que también escribe, sobre el lado oscuro de la vida en Hollywood.

Protagonizada por Keanu Reeves, Cameron Diaz, Matt Bomer y el propio Jonah Hill, la película se centra en seguir la vida de un actor de gran éxito que teme dejar de serlo debido a un secreto que podría revelarse.

En esta época en la que es imposible separar al artista de su obra, porque las redes sociales se han encargado de mezclarlo todo, ser parte de un escándalo podría representar el fin de una carrera.

La película analiza la fama en tiempos de Internet.

La necesidad de ser validado y por ende querido lleva al actor Reef Hawk (Keanu Reeves) a hacer examen de conciencia y visitar momentos incómodos de su vida.

A veces lo que se quiere decir es más importante que la forma que se utiliza para comunicarlo y es posible perder la brújula, con esta película pasa. Al parecer el director está muy concentrado en hacer catarsis y contar todo lo que ha visto, y tal vez vivido, dentro de la industria.

La película es cruda en algunos aspectos, pero no es despiadada. A ratos incluso puede llegar a ser aburrida y obvia. Sin planteamientos originales, retrata cómo la perfección es una utopía porque hasta el oro puede tener manchas.

@luisauguetoliendo

Envidiosa 3

 

Vivimos esperando que pase algo importante para sentirnos satisfechos. “Cuando tenga un nuevo amor, cuando regrese mi viejo amor, cuando lleguen los hijos, cuando consiga ese trabajo, cuando mejoren mis finanzas, cuando me mude a otro país”, esas y otras frases se nos escapan ocasionalmente. La felicidad siempre está adelante, en el futuro, ese lugar inexistente. El personaje que interpreta magistralmente Griselda Siciliani en la tercera temporada de Envidiosa va más allá, vive en conflicto esperando que sus circunstancias cambien y también en la insatisfacción y en la inseguridad, luego de conseguir lo que supuestamente desea.

A Vicky, en esta temporada de diez episodios, la forma más fácil de definirla es como una loca que no sabe lo que quiere, y aunque puede que sea verdad eso, que está loca y que no sabe lo que quiere, sobre todo es una persona de esta época: siempre intentando seguir el modelo de éxito que la sociedad propone.

La casa, el carro, la pareja, el perro, la estabilidad económica y los niños son algunos de los deseos que persigue la protagonista de un modo casi obsesivo. Su actitud refleja cómo el miedo y las imposiciones sociales son un cóctel macabro que puede llevarte fácilmente al sufrimiento innecesario e incluso compulsivo. Sufrir por gusto puede parecer una idiotez, pero también es un hábito difícil de dejar si lo alimentamos con pensamientos limitantes y creencias erróneas, debido a un pasado doloroso.

Somos lo que hemos sido y lo que vivimos puede que nos defina de alguna forma; sin embargo, al igual que los personajes de Envidiosa, todos debemos buscar una puerta de salida para abandonar esos hábitos mentales que nos generan infelicidad, ansiedad y miedo.

La serie atrapa por todo lo que tiene de real, por lo mucho que se parece a la vida que conocemos y a los personajes que frecuentamos. Todos hemos sido un poco como Vicky en algún momento y todos conocemos a una Vicky, que distorsiona la realidad e influye en ella con sus percepciones erradas y sus conductas absurdas.

Con humor, música, buenos diálogos y mejores actuaciones (de todo el elenco, pero debo hacer mención especial a la protagonista, Griselda Siciliani, y a Lorena Vega, en el rol de la psicóloga Fernanda), la ficción nos demuestra que la mejor forma de enfrentar los problemas, sobre todo los ocasionados por nosotros mismos, es aprender a ver con objetividad y distancia nuestras conductas, muchas veces compulsivas y llenas de drama innecesario.

El formato comedia casi siempre puede ser mucho más efectivo para mostrar situaciones serias y perjudiciales de la vida cotidiana. Nada más beneficioso para ver la realidad que reírnos de ella. En esta temporada no faltan ocasiones para hacerlo. La serie brinda una buena dosis de humor y de realidad en partes iguales, ambos elementos son la combinación perfecta que nos permite conectar con la historia.

Por su realización impecable, por su banda sonora, por las reflexiones que genera directa e indirectamente, la temporada tres de Envidiosa es una oportunidad para reírse de uno mismo, del entorno, pero sobre todo de una sociedad que exige mucho más de lo que da.

Luisa Ugueto Liendo

Instagram: @luisauguetoliendo

Frankenstein (Netflix, 2025)

 ¿Estás dispuesto a seguir siendo una buena persona en un mundo donde te acechan los villanos? Esa es una de las preguntas fundamentales que parece hacernos Guillermo del Toro en su versión de Frankenstein, clásico de Mary Shelley, publicado en 1818.

Esta versión fílmica cuenta la historia del libro: un hombre de ciencia juega a ser Dios y genera circunstancias inesperadas. Sin embargo, el director mexicano le otorga una nueva perspectiva a la original, modificando algunos elementos del argumento, además de otorgarle una visión renovada.

Guillermo del Toro no se conforma con adaptar el libro en la pantalla grande tal y como lo recibe de la autora; él se encarga de interpretarlo y darle su propio sentido. En su particular forma de ver el mundo no hay lugar para clichés ni frivolidades. El director es profundo en sus apreciaciones y reflexiona en la cinta sobre el bien y el mal, la incidencia del entorno en el comportamiento humano, la soledad, el perdón, la ira y la necesidad del amor en la vida cotidiana.

En el largometraje, la criatura (Jacob Elordi) no es lo que parece. El “diferente”, el “raro”, el “monstruo” termina siendo más racional, honesto, justo y bondadoso que aquellos que se supone deberían serlo. Guillermo del Toro en casi todas sus películas plantea directa e indirectamente que, a diferencia de la belleza física, la del alma no puede maquillarse, y llega a ser la más relevante, pues de ella dependen las acciones que acometemos todos los días. Al director mexicano le encanta mostrar el verdadero rostro de los “monstruos”, quienes poseen una belleza imperceptible a primera vista.

En la cinta, que dura más de dos horas, la “fealdad” del protagonista contrasta con su ingenuidad en un mundo que nunca ha sido ni bueno ni ingenuo y donde tener comportamientos deleznables es más fácil de lo que parece.

En ese aspecto ahonda la cinta, en mostrarnos cómo la maldad y el egoísmo van de la mano y no necesariamente pueden ser ejecutadas en situaciones dramáticas. Hacer daño es más cotidiano de lo que parece.

Un ego desmedido puede destruir imperios enteros; los hombres que siguen sus ideas, solo pensando en su propio beneficio, sin medir las consecuencias de sus actos, destruyen, hieren, perjudican sus propias vidas y las del resto.

A veces los motivos no son malvados; bien dicen que “de buenas intenciones está lleno el infierno”; muchas veces las causas más elevadas terminan pervirtiéndose.

Víctor Frankenstein (Oscar Isaac) es el encargado de materializar el caos en su vida y el de su entorno para satisfacer sus caprichos y pasiones; toma decisiones equivocadas que lo llevarán a vivir situaciones extremas y a generar múltiples tragedias involuntariamente.

En Frankenstein, Víctor no conoce los límites morales. Desde el comienzo de la película, su comportamiento cruel y prepotente genera aversión. A pesar de ser uno de los héroes, ¿terminará siendo un villano de esta historia?

Esta es otra pregunta que te acompañará hasta el final. En la cinta, los personajes tienen roles complejos; nada es blanco o negro. En este sentido, las circunstancias de las que somos testigos en el largometraje son una oportunidad para tratar de entender que cuando hablamos de seres humanos es muy difícil llegar a una sola conclusión; toda verdad tiene matices y oculta una (o varias) mentiras.

No siendo una cinta sosa y mucho menos superficial, sorprendentemente la película está muy lejos de tener una visión oscura o pesimista de la vida, tal como sucede en el libro. Es una inyección de optimismo y vitalidad, pero desde la óptica de seres que se encuentran en los únicos lugares donde ambos elementos son mucho más visibles: en la oscuridad del corazón humano, en la desesperanza y la muerte. Se aprecia más la vida cuando se teme perderla.

A diferencia de Mary Shelley, Guillermo del Toro termina filmando una cinta que es una invitación a seguir adelante pase lo que pase y caiga quien caiga. Una película que reivindica la travesía de los seres humanos hacia el autodescubrimiento y la necesidad de buscar la libertad como fin último de la vida, además del camino más corto hacia el amor por los demás y por sí mismo.

Luisa Ugueto Liendo

Instagram: @luisauguetoliendo

Con esa misma mirada

 

La telenovela Señora Isabel, original de Bernardo Romero Pereiro y escrita con la colaboración de Mónica Agudelo a inicios de los 90, ha tenido múltiples versiones durante los últimos treinta años. Con esa misma mirada, serie de tres temporadas que estrenó la plataforma de streaming Vix, es una nueva forma de abordar esa historia que sigue generando interés.

Esta producción de Argos Televisión tiene como referente directo otra versión de la original realizada a finales de los años 90, Mirada de mujer, protagonizada por otra Angélica, Aragón, y el actor mexicano Ari Telch. Sin embargo, en esta versión cada temporada tiene muy pocos episodios (ocho cada una), por lo que se vieron en la obligación de tomar la esencia de la historia y modificar ese relato sobre una mujer de cincuenta años que descubre a la mitad de su vida que tiene que cambiar todo lo que le parecía inamovible.

En los años 90, cuando apareció Señora Isabel, la vida era muy diferente a la que conocemos hoy; las mujeres estaban aún más acorraladas por los prejuicios y los estereotipos sobre el rol que debían desarrollar en sociedad. Esa telenovela terminó siendo un ensayo sobre los problemas que se les presentaban en la vida moderna: el doble rol de esposa y madre, la vida profesional, los prejuicios relacionados con la edad en las relaciones, la libertad sexual, la infidelidad en el matrimonio, los cambios físicos, entre otros.

En esta nueva versión, que vuelve a todos esos temas desde otros puntos de vista, no sé si el planteamiento de la original produce el mismo impacto. La serie, que tiene una realización de 20 puntos, diluye de algún modo el argumento original y se centra mucho más en la historia de amor; además, cambia aspectos relevantes de la original. Por ejemplo, el oficio de la protagonista tiene mucho más sentido que sea un ama de casa sin profesión alguna, como en la versión original, a que tenga una, en Con esa misma mirada. Eloísa (Angélica Rivera) es pintora.

Otro aspecto que cambia la perspectiva de la historia es el físico de la protagonista. Angélica Rivera está muy lejos de parecer un ama de casa convencional; por ende, es más creíble la pareja que hace con el joven periodista interpretado por Diego Klein. En el romance, el tema de la edad está presente, pero no es un contratiempo fundamental.

La serie presenta una historia que se centra en contar una anécdota, donde todo termina siendo mucho menos dramático que en las versiones anteriores. Los problemas tienen solución mucho más rápido, no solamente porque la extensión de la historia lo amerita, sino porque en esta época, los conflictos que anteriormente eran muy graves, ya no lo son tanto.

El divorcio ya no se percibe como una catástrofe; las mujeres no ven el matrimonio como la única fuente de realización ni a los hijos como la excusa perfecta para tener una vida.

Los tiempos están cambiando y las mujeres ya no tienen que asumir (de no desearlo) un rol determinado y mucho menos vivir bajo los parámetros impuestos por otros.

La serie funciona muy bien mostrando las dinámicas modernas de las familias y los vínculos sentimentales e incluso sexuales; quizás por eso no decepciona. Finalmente, cumple con la aspiración de su autor original, utilizar la televisión para reflexionar sobre la vida en sociedad.

Luisa Ugueto Liendo

Instagram: @luisauguetoliendo